Alexa Brunet est photographe, diplômée de l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles depuis 2001. Elle rejoint le collectif de photographes Transit en 2004. Son registre fictionnel lui permet d’exprimer son point de vue sur des questions d’actualité telles que le gaz de schiste, l’habitat, les atteintes à l’environnement etc. De 2013 à 2015, elle réalise la série Dystopia en collaboration avec Patrick Herman, paysan et journaliste indépendant. A travers une enquête illustrée de trente photographies, ils révèlent les dérives de l’agriculture intensive.

Bernard Demenge est venu à l’image sur le tard. Ouvrier textile et syndicaliste pendant près de quinze ans, il a franchi toutes les étapes de formation pour devenir enseignant d’arts appliqués en lycée professionnel, métier qu’il exerce toujours dans sa ville de Nancy. De photographe dilettante qui revendique des techniques low tech, il est devenu le pape du burlesque, le roi de la grimace, de la provocation par idiotie. Prix FNAC en 2002, lauréat SFR Jeunes Talents à trois reprises, ses images sont désormais présentées dans de nombreuses galeries.

Denis Darzacq est photographe. Diplômé de l’École Nationale des Arts Décoratifs en 1986, section vidéo, il commence par la photographie de plateau de cinéma. A partir de 1989, il collabore régulièrement avec le quotidien Libération. De la photographie de presse qui fut le berceau de sa pratique artistique, il conserve un regard aiguisé sur la société contemporaine et une méthode. Il a acquis ainsi la conviction qu’une image construite peut paradoxalement servir son analyse de la société avec plus d’efficacité. Dans son travail, il interroge la place de l’individu dans la cité, et met en scène des corps dans l’espace. Sa série Hyper juxtapose l’univers cadré, obsédant, saturé et kitsch des hypermarchés, temples modernes dédiés à la consommation, à des corps lévitant et flottant librement dans l’espace.

Formé au California Institute of the Arts, Gregg Segal a fait un détour par l’Université de New York afin d’étudier l’écriture avant de retourner à la photographie. Ainsi, il aime raconter des histoires au travers de ses photographies. C’est durant la réalisation de 7 Days of Garbage, une série portant sur le gaspillage alimentaire, qu’il a commencé a s’intéresser plus sérieusement à l’alimentation : ce que l’on mange et ce que l’on jette afin d’alerter les américains sur leur mode de consommation tout en les confrontant à la réalité. Avec Daily Bread, il dresse un portrait de ce que mangent les enfants dans le monde, « un moment particulièrement important de la vie, souligne t-il, car c’est le moment où se forment les habitudes alimentaires.»

Julie Rothhahn est designer. Et c’est un regard de designer qu’elle pose sur la nourriture qui devient alors un matériau qu’elle peut modeler et mettre en scène. L’aliment devient alors sensible, parfois affectif, régressif, voire transgressif. Son travail se concrétise de différentes manières: collaboration avec les métiers de bouche, artisanat, industrie agroalimentaire et événementiel. Dans la série Nouveau lexique animalier comme dans celle Ce que l’industrie agroalimentaire fabrique pour nous, Julie questionne les hybridations et les expériences de l’industrie agroalimentaire.

Lucy + Jorge Orta traitent des incidences de la société industrielle et des relations de l’art avec la géopolitique et l’écologie à travers une grande variété de supports : sculpture, peinture, photographie, vidéo, dessin, intervention éphémère et performance. En 2007, ils ont reçu le Green Leaf Award des Nations Unies pour leur excellence artistique et leur message environnemental. Leurs oeuvres nous invitent à modifier notre façon d’appréhender les questions fondamentales de notre avenir et à exercer une prise de conscience collective sur des thèmes majeurs : le gaspillage alimentaire, la gestion de l’eau et le réchauffement climatique. 70 x 7 The Meal s’intéresse plus particulièrement « au rituel ancestral du dîner et à son rôle social dans les réseaux communautaires».

Martine Camillieri quitte en 2000 le monde de la publicité pour entamer une deuxième vie, dans laquelle la consommation prend moins d’importance. Son travail est essentiellement basé sur l’écologie, le recyclage et la biodiversité. Son champ d’action est le quotidien et le banal. Sa démarche est engagée, vigilante et jamais conventionnelle. Tout son travail milite pour limiter l’objet sur terre et pour que le comestible reste comestible. Elle explore largement le territoire de la nourriture comme de la nature, travaille avec des chefs et des cuisiniers, examine l’agro-alimentaire. Son livre-alerte Wild food, publié en 2012 aux éditions de l’Epure, a reçu le grand prix food-sustainable aux Gourmands Awards.

Olivier Darné est artiste plasticien et apiculteur urbain. Diplômé de l’École Nationale des Arts Appliqués et de l’École Estienne à Paris, il est à l’initiative du Parti Poétique, regroupement d’artistes et de penseurs qui travaille essentiellement aux relations entre art, nature et culture. Les abeilles et leur écosystème sont un des axes importants de son travail, qui s’oriente aujourd’hui plus largement vers les questions d’alimentation et d’agriculture, au travers notamment du projet de ferme urbaine et artistique Zone Sensible à Saint Denis.

Robin Lopvet est artiste plasticien multimédia. Touche à tout, il travaille sur les oeuvres liées à des jeux de langage, d’économie de la récupération, de la parodie, du bricolage et du ludique. C’est pendant ses études de sciences de l’ingénieur, qu’il découvre la photographie. Il décide alors de se former à l’École Supérieure d’Art de Lorraine (Épinal) puis à l’École Nationale Supérieure de la Photographie (Arles) et enfin à l’ICP (New York). Sa série Poles and Bull interroge la capacité de l’Homme à modifier son environnement jusqu’à l’absurde. Elle procède d’un savant mélange entre une culture pop de l’image avec son côté ludique et des doutes – voire des craintes – quant à la modification de la biosphère par l’être humain.

Stéphanie Lacombe s’est formée à l’Ecole Nationale Supérieur des Arts Décoratifs de Paris. Dans le cadre de son projet La table de l’ordinaire, qui obtiendra le Prix Niépce en 2009, elle est allée de ville en ville, d’assiette en assiette, photographier une centaine de familles dans leur quotidien. Son travail témoigne du mode de vie des Français. Ses portraits de famille sont vivants, en mouvement, teintés d’humour ou de gravité, ils donnent à voir le spectre large de la classe moyenne d’aujourd’hui ; ce qu’ils mangent, et comment ils mangent.

Susanne Husky est artiste. Diplômée de l’École des beaux-arts de Bordeaux en 2000, elle s’est formée en art et paysagisme. Sa pratique pluri-disciplinaire va de la conception de jardins à la céramique, en passant par la sculpture et la vidéo. Ses pièces engagent des rencontres et des collaborations variées (historiens, habitants et artisans) et ses réalisations explorent la relation entre les hommes et la nature (plantes, animaux, terre, etc) comme ici dans Eglogue. Avec Stephanie Sagot, elle dirige par ailleurs Le Nouveau Ministère de l’Agriculture, une collaboration artistique à but subversif à l’intersection du neo-libéralisme et de l’agro-business.

Présentation de l’artiste dans le cadre de l’exposition Des villes qui mangent, Bibliothèque Municipale de Lyon et Quand les artistes passent à table.

Plus d’infos : https://www.suzannehusky.com

Sylvain Gouraud est photographe. Avec un diplôme de l’École Nationale des Arts Décoratifs Paris et un master de Sciences Po en poche, Sylvain Gouraud s’intéresse à la photographie. L’aspect politique est récurrent dans son travail. C’est ce qui lui permet de rentrer dans son sujet et de mener une réflexion sur l’organisation de nos sociétés. Il utilise la photographie comme un constat, un regard qu’il fait parfois devenir actif : comment la photographie peut être le moteur de nos actions.

Présentation de l’artiste dans le cadre de l’exposition Des villes qui mangent, Bibliothèque Municipale de Lyon et Quand les artistes passent à table.

Plus d’infos : http://www.sylvaingouraud.com

Cédric Malo aka Tabas est illustrateur, street artiste, designer graphique. Fan de hip-hop et de skate, il choisit la voie artistique après avoir découvert la peinture dans la rue et les terrains vagues au début des années 90. Depuis une dizaine d’années, les campagnes de communication ou les identités visuelles qu’il conçoit sont articulées essentiellement autour d’aliments. Cornet de frites, glaces, pommes, fruits et légumes sous forme diverses (illustrations, dessins, photographies, papiers découpés) et mis en scène à la mode street art, servent ainsi sous sa houlette à vendre tout aussi bien les concerts des Nuits Carrées à Nîmes que des petits plats du festival Mix en Bouche. Donner envie et réveiller le gourmand qui est en nous, voici donc sa stratégie …

Thierry Boutonnier est artiste. Né dans le Sud-Ouest de la France, il revendique ses origines agricoles. Il a grandi dans l’élevage laitier de ses parents et travailla en tant qu’ouvrier agricole pour financer ses études à l’école nationale des beaux-arts de Lyon et à l’université Concordia de Montréal. Diplômé en 2005, il met au cœur de son travail la question de la domestication. Polyvalent, pluridisciplinaire, il utilise tous les médiums possibles, et travaille en résonance avec le contexte et l’environnement (social, environnemental, économique) pour construire sa réflexion et contribuer à un futur commun, durable et respectueux.